El nuevo Hollywood
NUEVOS CAMBIOS EN LA ESTRUCTURA DE HOLLYWOOD
En los 70’s el cine tenía la tarea especial de ser el traductor de los acontecimientos sociales y políticos que afectaban a EE. UU mostrándose así, un lado derrotista y oscuro del sueño americano retratado en títulos como Todos los hombres del presidente (1976). Durante esta década destacamos la labor de grandes directores como Steven Spielberg, que produjo títulos como Tiburón (1975) o Encuentros en la tercera fase (1977) y George Lucas con La guerra de las galaxias (1977) ya que darían las claves para definir el blockbuster, calificativo destinado a los títulos comerciales con una aceptación increíble por parte del público. Tanto Tiburón como La guerra de las galaxias fueron las primeras películas que recaudaron más de 100 millones de dólares superando con creces el presupuesto medio para producir una película en aquella época. De esta manera comienza la obsesión americana por la recaudación y los Estudios forzaban todo lo que podían para que al menos 1 o 2 de los títulos que sacaban al año tuviese el éxito suficiente para reflotar sus inversiones.
Al final de esta década, aparecen por primera vez las multisalas que brindaban la oportunidad de estrenar un mayor número de películas a un público más reducido.
Eaton Center Cineplex, Toronto (Canadá, 1979) Considerado el mayor cineplex del mundo con un total de 18 salas
Poco a poco, la industria de Hollywood comienza a ver la televisión como un medio con el que puede colaborar para sacar mayores beneficios a sus películas. Así, se invierten mayores cantidades de dinero en campañas publicitarias para la emisión de películas en la parrilla televisiva (Tiburón alcanzó los 700.000 dólares) y se convierte en una opción altamente rentable una vez había sido estrenada en sala (Lo que el viento se llevó consiguió la mayor audiencia de televisión de la historia: 34 millones de espectadores).
En 1976 sale al mercado el sistema VHS convirtiéndose en una nueva forma de explotación de los títulos a través del alquiler de estos, abriéndose tal cantidad de videoclubs que, en tan solo 5 años, llegaría a los 400 establecimientos.
También tenemos que destacar que, a excepción de Universal, los Estudios comienzan a perder el control directo sobre la producción, el rodaje y la financiación, aunque seguirían encargándose de la distribución como ya venían haciendo. En 1975, Micharl Ovitz funda Creative Artists Agency (CAA), una empresa encargada de crear productos cinematográficos que agrupaba todo tipo de talentos (guionistas, directores, estrellas, diseñadores de estrategias de marketing…)
Las influencias e innovaciones en cuanto a los equipos hicieron que el cine americano se fuera destensando, apareciesen estilos más informales y se comenzaron a fusionar funciones: actores que dirigían, guionistas que se encargaban de la producción… Además, se empiezan a hacer las primeras investigaciones en torno a los efectos ópticos y digitales de las películas como Naves Misteriosas (1972), 2001: Una odisea del espacio (1968), Encuentros en la tercera fase y Star Trek: la película (1979)
La independencia y revolución industrial del cine hollywoodiense se alcanza con la creación de la productora American Zoetrope en 1969. Esta nueva productora tenía el objetivo de fomentar productos de calidad con un bajo coste y una independencia asegurada. George Lucas fue el vicepresidente de la empresa hasta el rodaje de THX-1138 (1971) cuando decide separarse y probar suerte con sus propios proyectos iniciar su propia productora. Zoetrope realizó algunas inversiones fallidas, pero también tuvo éxitos como El padrino (1972), además de realizar la adquisición de los estudios Hollywood General, que poco después tendría que volver a vender.
La década de los 70 comenzó con serie acontecimientos que llevaron a un cambio en la presidencia y en la visión política de los ciudadanos. El escándalo Watergate fue retratado por el director Alan J. Pakula en la película Todos los hombres del presidente (1976) donde se exponía la capacidad del ciudadano americano para exigir que su gobierno rindiera cuentas ante un país engañado. Este título refleja con bastante fidelidad los acontecimientos en torno al escándalo, mostrando el trabajo periodístico realizado Y consiguiendo así ocho nominaciones a los Oscar (guion adaptado, sonido, dirección artística y actor secundario).
La industria cinematográfica también reflejaría durante décadas otros acontecimientos importantes en la historia americana como la Guerra de Vietnam en títulos como Taxi Driver (1976), Air América (1979), Apocalypse Now (1979), Good Morning, Vietnam (1987, Birdy (1984), El regreso (1978), El cazador (1978), Más allá del honor (1981) u Oficial y caballero (1982).
Además del retrato de acontecimientos reales, en el cine comienza tener importancia el retrato que las unidades familiares de la época, los cambios socio-familiares y un nuevo enfoque en la resolución de conflictos familiares sin buscar culpables. Así aparecen títulos como Kramer vs. Kramer (1979) donde se explora las repercusiones del divorcio y la incorporación de la figura paterna al tratamiento directo con el universo infantil que le ofrecen sus propios hijos. Ya en los 70’s saldrán aparecerán títulos como Vietnam, Vietnam (1971) y M.A.S.H. (1970)
Por otro lado, los 70’s traen nuevos títulos que bebían de la libertad que proporcionaba la hibridación de géneros, el reflejo de los cambios sociales tiene apoyo de las corrientes europeas, destacando principalmente La aventura del Poseidón (1972). El cine de catástrofes se alimenta de otros títulos como Aeropuerto (1970), Aeropuerto 75 (1974), Aeropuerto 77 (1977), Aeopuerto 79 (1979), El coloso en llamas (1974), El puente de Cassandra (1977) y Avalancha (1978) y, también dentro del drama, vemos Jonny y su fusil (1971) cuyo discurso no es simplemente antibelicista si no que fue capaz de provocar al espectador el mismo horror y rechazo que hubiese provocado la historia en una noticia.
Esta Comedia seguimos viendo grandes directores como Woody Allen en películas como Bananas (1971), Sueños de un seductor (1972), Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió preguntar (1972), El dormilón (1973), La última noche de Boris Grushenko (1975), Annie Hall (1977) o Manhattan (1979).
El western se ve abastecido con títulos como Las aventuras de Jeremiah Johnson (1972), Westworld, almas de metal (1976), Infierno de cobardes (1972), El último pistolero (1976), Buffalo Bill y los indios (1976), Los primeros golpes de Butch Cassidy y Sundance Kid (1979), La balada de Cable Hogue (1970), Pat Garrett y Billy el niño (1973) o Quiero la cabeza de Alfredo García (1974).
El musical, por su parte, encuentra a uno de sus nombres clave: Bob Fosse. Este director, bailarín, actor y coreógrafo desarrollará la denominada comedia americana con títulos como Cabaret (1972) o Empieza el espectáculo (1979). También debemos destacar dentro de este género otras películas como Woodstock (1970), Godspell (1973), Hair (1979), Jesucristo Superstar (1973), El hombre de La Mancha (1972), El fantasma del paraíso (1974) o The Rocky Horror Picture Show (1975).
Cartel de The Rocky Horror Picture Show, uno de los musicales más polémicos de la historia
En el cine de terror se acoge una nueva tendencia en la que los niños son ahora parte activa te lo que provocan terror. Así, aparece películas como El exorcista (1973), La profecía (1976), La semilla del diablo (1968), Carrie (1976), Las colinas tienen ojos (1977), La noche de Halloween (1978), La matanza de Texas (1974) o Alguien voló sobre el nido del cuco (1975)
En esta década también se producen homenajes al cine negro sin escatimar en presupuestos y guiones ya que no tienen que lidiar con la censura. Aparecen así Un largo adiós (1973), Adiós muñeca (1975), El sueño eterno (1978), Chinatown (1974), El padrino (1972) o El padrino II (1974).
En cuanto a ciencia ficción, vemos La naranja mecánica (1971), La guerra de las galaxias (1977), El imperio contraataca (1977), American Graffiti (1973), Encuentros en la tercera fase (1977), Alien, el octavo pasajero (1979), Star Trek, la película (1979), Superman, el film (1978), Soylent Green: cuando el destino nos alcance (1973), El último hombre vivo (1971) o Soy leyenda (2007).
Por último, en el cine de animación vemos un alejamiento tres convenciones impuestas por los trabajos de Disney o Hanna-Barbera, ofreciendo otras alternativas y presentando títulos como El gato caliente (1972), Heavy Traffic (1973), Coonskin (1975) o la versión animada de El señor de los anillos (1978)
HOLLYWOOD BUSCA SU CENTRO DE GRAVEDAD
En el año 1966 se decide abolir el Código Hays de autocensura, abriéndose más la industria a temas como el sexo y la violencia, con el objetivo de captar nuevos espectadores. El cine romántico resistió con obras como John y Mary, de Peter Yates o Love story de Arthur Hiller, pero gran parte de la producción se destinó a los nuevos espectadores, jóvenes estudiantes de mente más abierta que las generaciones anteriores.
Gracias a este nuevo panorama tolerante, surgió en el país el cine expresamente pornográfico, con su centro de producción en San Francisco, Los Ángeles y Nueva York.
En 1967 Richard Brooks adaptó la crónica criminal de Truman Capote (A sangre fría), aunque resultó menos exitosa que la exaltación amorosa de Bonnie and Clyde de Arthur Penn.
El restaurante de Alice de 1969 tenía una defensa de la moral hippie que vivía el país y en Pequeño gran hombre, Penn defendía al indio frente al general Custer.
En el campo de la violencia Sam Peckinpah se consolidó como primer especialista con la obra de estilo western Grupo salvaje, del año 1969, donde rodó al ralentí las muertes de los personaje, y sobre todo en Perros de paja, donde se reflejaba una agresión sexual por un grupo de hombres a la mujer de uno de los personajes. En La huída Peckinpah exaltó a la pareja de gángsters, siguiendo la corriente de los delincuentes sublevados de forma heroica contra el Estado o la sociedad. Esta corriente fue seguida también por John Boorman con A quemarropa, Dos hombres y un destino de George Roy Hill o Dólares de Richard Brooks.
En esta época el cine norteamericano fluctuó entre el cinismo y la amargura, expresando la crisis moral en la que estaba sumida la sociedad tras el fracaso de la mitología del American dream. Ejemplo de este cine son Cowboy de medianoche de John Schlesinger, que habla de una relación falta de esperanza entre un gigoló y un pícaro y Buscando mi destino de Dennis Hopper.
En este momento, surgieron una serie de películas inspiradas en tiempos pasados que pretendían explicar el motivo del malestar de aquel momento. Incluímos aquí películas como Conocimiento carnal de Mike Nichols y La última película de Peter Bogdanovich. Con obras como estas, terminó por crearse una cultura de lo retro, con fuerte saturación romántica. Mencionaremos: Cabaret, una obra musical de 1972 de Bob Fosse situó en el Berlín de 1931; El padrino de Francis Ford Coppola; Luna de papel de Peter Bogdanovich; El gran Gatsby de Jack Clayton; Chinatown de Roman Polanski y Tal como éramos de Sidney Pollack, que se trataba de una reflexión generacional.
Entre los grandes realizadores norteamericanos destacan Orson Welles que rodó en españa Campanadas a medianoche y Una historia inmortal, con una reflexión sobre el fracaso del poder. Después de esto rodó en 16 mm y con técnicas documentales el testimonio-ficción Fraude una estampa del falsificador de cuadros Elmyr d’Hory.
Stanley Kubrick se movió en ámbitos totalmente distintos, aunque su contribución al cine moderno fue también importante. Con 2001: una odisea del espacio llevó a la cima al cine de ciencia ficción. Su siguiente obra sería La naranja mecánica, inspirada en una novela de Anthony Burgess. Con ella creó una fábula moral basada en la violencia en el mundo moderno.
Francis Ford Coppola rodaría en 1974 La conversación, que situaba a las personas en una pesadilla social, por eso incluímos esta obra en un cine de empeño cívico, que nos hace reflexionar sobre el presente.
Tuvo especial importancia en estos años la violencia física y psicológica como temática, como también el terror y la incitación erótica reflejados en La semilla del diablo de Roman Polanski.
William Peter Blatty en El exorcista hizo que la ternura infantil de una niña fuese poseída por un demonio. Esta película fue acogida con gran entusiasmo, lo que hizo ver que lo sobrenatural era una opción productiva.
En 1973 Jesucristo Superstar sirvió de equilibrio moral contra el Exorcista.
CINE AMERICANO CONTEMPORANEO
Se conoce como Nuevo Hollywood a la generación de cineastas que a lo largo de los sesenta bien a renovar el modo de hacer cine comercial en la costa californiana. En este grupo encontramos a Francis F. Coppola, Martin Scorsese, Peter Bodganovich, Steven Spielberg, Alan Panuka, Paul Mazursky, Brian de Palma, John Millius y George Lucas.
Esta generación tiene una serie de características comunes:
a) Formación universitaria de estudios cinematográficos que complementan con el aprendizaje en obras de serie B para televisión y cine
b) Se establecen como directores-productores que controlan el resultado de su trabajo a través de empresas propias y se asocian con estudios para la producción de películas
c) Experimentan con las nuevas tecnologías y crean nuevos procedimientos de trucaje
d) Junto a obras netamente comerciales, experimentan con relatos más complejos
e) Admiran a cineasta como Hitchcock y Kurosawa, a quien producen alguna película
f) Buscan recupera el encanto del relato genuino y valoran el sentido del espectáculo, de la aventura, la fantasía y de la narración sólida
Francis Ford Coppola cursa los estudios universitarios en UCLA y se forma en la serie B con Roger Croman, quien le presta equipo para rodar Dementia 13. Tras este trabajo, es contratado por Seven Artist como guionista de directores como John Huston, Sidney Pollack y Franklin Schaffner. De este último, hizo el libreto oscarizado de Patton. Tras un par de filmes no muy exitosos, funda la productora Zoetrope Studios para realizar su próxima película, Llueve sobre mi corazón. También produce las películas de George Lucas THX 1138 y American Graffiti.
Por encargo de la Paramount, Coppola rueda El Padrino que se convierte en una trilogía tras el éxito de esta. La trilogía supone una reflexión sobre el poder, la corrupción y las contradicciones de la cultura latinoamericana. Aquí, Coppola revela el lirismo operístico que caracteriza a sus grandes obras como La conversación o Apocalypse Now, adaptación de la obra de Joseph Conrad: El corazón de las tinieblas. El cineasta empieza a invertir su dinero en la compra de un teatro y en montar operas, ampliar su estudio, distribuir obras menores a través de su nueva empresa y producir a Win Wenders y algunos filmes experimentales. Pero tras el fracaso de Corazonada, pasará muchos años trabajando para saldar sus deudas. A partir de aquí realiza películas como: Rebeldes, La ley de la calle, Peggy Sue se casó o Drácula.
Del seno de una familia italoamericano sale Martin Scorsese, cuyo cine se caracteriza por la recurrente reflexión sobre el sentido del pecado, la culpabilidad o la violencia en historias d bandas mafiosas y de seres indefensos. Muchas de sus películas están interpretadas por Robert de Niro. Su inicio en Hollywood le viene dado por Roger Corman, quien le ofrece dirigir Boxcar Bertha. A partir de Malas Calles, rueda una serie de dramas con personajes perdidos en la ciudad, abocados a la destrucción, miembros de mafias italianas, etc. Algunos de estos largometrajes son: Toro Salvaje, Taxi Driver, Uno de los nuestros, Casino y Gangs of New York.
Alan Paluka comienza como productor de la Paramount y colabora en varias películas de Robert Mulligan. Hace un cine personal que destaca por la dirección de actores, la composición visual basada en un espacio cinematográfico significativo y la preferencia por el cine policiaco. Tras hace The Sterile Cuckoo, logra el éxito con Klute. Otras películas importantes de este cineasta son: El último testigo, Todos los hombres del presidente, La decisión de Sofía o El informe Pelícano.
Directo precoz, Steven Spielberg estudia cine en la universidad y comienza haciendo series de televisión. El diablo sobre ruedas, Loca evasión y la exitosa Tiburón muestran un envidiable sentido del ritmo, capacidad para jugar con las emociones del espectador y el gusto por la fantasía que caracteriza a su cine. Tiene éxito con la realización de películas de ciencia ficción como Encuentros en la Tercera Fase, A.I. Inteligencia Artificial, Minority Report, E.T. o La guerra de los mundos. Impulsa el cine de aventuras con la trilogía de Indiana Jones. Aunque más ambiciosas son películas dramáticas, donde muestra su amplio registro cinematográfico, como: El color purpura, El imperio del sol, La lista de Schindler o Munich. Sigue consiguiendo éxitos en taquilla con la trilogía de Parque Jurásico y vuelve a la comedia con Atrápame si puedes y La terminal, tras fracasar con 1941.
Peter Bogdanovich ha sido periodista y ensayista y, al igual que muchos otros, comenzó en el mundo del cine gracias a Roger Corman. Sus películas muestran un enorme conocimiento cinematográfico, pero le falta creatividad y casi no tiene títulos verdaderamente redondos. Destacan su primer largometraje El héroe anda suelto, La ultima película, ¿Qué me pasa, doctor?, Luna de papel y Máscara.
Brian de Palma se inicia con películas en las que experimenta con las posibilidades de la imagen para inclinarse por un cine donde conviven la paranoia, lo monstruoso, la telepatía y diversas patologías que afectan al personaje, como en Carrie, Vestida para matar, Impacto o Doble cuerpo. Posteriormente, se decanta por un cine más comercial, donde hace homenajes a los grandes directores como en Los intocables de Elliot Ness o Atrapado por su pasado.
George Lucas inicia su carrera como director de la mano de Francis Ford Coppola con dos propuestas interesantes: THX 1138 y American Graffiti. Más tarde, se dedica trabajar en La guerra de las Galaxias.
Paul Schrader da sus primeros pasos en la industria cinematográfica como guionista de directores como Sydney Pollack, Brian de Palma, Peter Weir y Martin Scorsese. Su primera película es Blue Collar. Más a delante, realiza producciones en las que se interesa por retratar a seres marginados y de diversos modos de <<bajada a los infiernos>>, que retrata con la actitud de denuncia moral que caracteriza su cine. Dentro de sus obras más relevantes tenemos: American Gigolo, Mishima, El placer de los extraños, Aflicción o Forever Mine.
Tras una exitosa carrera en el spaghetti western junto al director Sergio Leone, Clint Eastwood se inicia como director en la película Escalofrío de la noche. Produce con su propia compañía (Malpaso), dirige e interpreta películas de acción donde toma partido por los perdedores y muestra cierto desagrado hacia el poder y lo establecido. Sus obras más notables son Primavera en otoño, El jinete pálido, Cazador blanco, cazador negro o Sin perdón, una de las obras más importantes de la década de los 90 y uno de los mejores westerns de la historia. Tras alcanzar el prestigio como director, comienza a filmar con regularidad, muchas de ella con gran valor como Los puentes de Madison, Ejecución inminente, Mystic River o Million Dollar Baby.
El cine del actor y director Paul Mazursky es fácilmente reconocible debido al estilo desaliñado y caótico que este presenta. Un cine donde se combina el humor con la ternura y el drama. Sobresalen Próxima parada, Greenwich Village, Una mujer descasada, Enemigos: una historia de amor y Escenas de una galería. Se acaba decantando por un cine más comercial que emplea recursos de género, como se puede ver en Un ruso en Nueva York.
El cine de Hal Ashby se caracteriza por la ironía, el humor y la ternura. Esto se ve en películas como El regreso o Bienvenido, Mr. Chance. Michael Cinimo es reconocido por El cazador, La puerta del cielo o Manhattan Sur. Director de enorme prestigio, Terrence Malick tiene una breve, pero interesante carrera como director conformad por Malas tierras, Días del cielo, La delgada línea roja o El nuevo mundo. John Carpenter renovó el cine fantástico y de terror con un ágil lenguaje cinematográfico que tiene la virtud de fascinar a la nueva generación de directores. Buena muestra de ello son títulos como: Asalto a la comisaría del Distrito 13, La noche de Halloween, Golpe en la pequeña China, En la boca del miedo o Vampiros.
Oliver Stone, uno de los directores que más controversia genera con sus películas, tiene una dilata carrera cinematográfica, muchas de ellas producidas por él mismo. Destaca por su eficacia en la utilización del lenguaje cinematográfico y en la grandilocuencia en el tratamiento de temas como la guerra de Vietnam o la corrupción. Su primer éxito fue como guionista de El expreso de medianoche. Sus obras más reconocidas son: Wall Street, Platoon, JFK, Nixon o Alejandro Magno.
Woody Allen es el caso más representativo de cineasta independiente. Allen escribe guiones para televisión, teatro y cine. Más que autobiográficas, su cine es una prolongación de su vida, donde se repiten las obsesiones de la religión judía, el psicoanálisis, el miedo a la enfermedad y a la muerte, las relaciones conflictivas y enfermizas con las mujeres o la existencia de Dios. El cine de Allen es una reflexión sobre las carencias afectivas, la mostración de sentimientos o la inseguridad para deambular por un mundo deficitario. Su primera película, ¿Qué tal, Pussycat?, fue una oferta de Charles F. Feldman. En la clave dramática es donde rueda sus mejores películas: Annie Hall, Interiores, Manhattan y Recuerdos.
Jim Jarmusch estudia cine en Nueva York, después de realizar sus estudios en Reino Unido y haber estado un año en Francia, y rueda junto a Nicholas Ray Permanent Ray. Hace un cine muy personal. Una combinación de humor y drama en el retrato de tipos singulares, con una mirada distante y descreída hacia la sociedad norteamericana. Su estilo se ubica dentro del minimalismo cinematográfico que entrecruza historias cotidianas, sin relación aparente, que alcanzan significaciones inesperadas. Hace uso de los tiempos muertos, silencios, diálogos escasos, fragmentación narrativa y rodajes de bajo presupuesto. Jarmusch utiliza la presencia de extranjeros en sus películas como refuerzo de la critica hacia la sociedad multicultural. Se da a conocer con Extraños en el Paraíso. A esta obra le siguen Bajo el peso de la ley y Mistery Train. Estos tres largos forman una trilogía sobre la rebelión fracasada, el desencanto y la ausencia de salida en las vidas de personajes perdedores.
David Lynch estudia arte y realiza obras plásticas influidas por el estilo de Edward Hopper y Francis Bacon, que pronto trasladará a sus cortos como The godmother. Tras estudiar varios años cine en Los Angeles y de conseguir una beca del American Film Institute rueda Eraserhead. Gracias a este largometraje, Mel Brooks le propone hace la película El hombre elefante, con lo que obtiene un notable éxito.
El mundo inquietante con seres deformes y comportamientos extraños en la vida cotidiana, la fuerza de las imágenes y la capacidad para transcender los géneros que caracteriza a Lynch están presentes en ella. Otras películas destacables del autor norteamericano son: Dune (fracaso comercial), Terciopelo azul, Corazón salvaje, Carretera perdida, Una historia verdadera y Muholland Drive. Además, es el creador de una de las series de televisión más importantes de la historia: Twin Peaks.
Dentro del cine norteamericano contemporánea, hay que hablar de dos movimientos relacionados directamente con las minorías étnico-culturales: el black cinema y el cine chicano. El primero tiene su origen en el cine negro independiente surgido en el ámbito de la contracultura y la reivindicación de los derechos civiles de los años sesenta, fue en los 80 cuando este cine reivindicativo salió de los circuitos restringidos con las películas de Spike Lee, John Singleton, Mario van Peebles, Matty Rich, etc.
El prestigio de Spike Lee llegó con la realización de videoclips musicales. Sus películas ha sido inscritas dentro de un estilo propio conocido: el realismo urbano negro. Combina el análisis y la critica hacia las diversas formas del racismo y sus consecuencias con un tratamiento humorístico y una agilidad notable en los relatos. En los diálogos abundan las expresiones coloquiales de la minoría, lo que, unido a la temática, hace de su cine vehículo de expresión cultural que identifica a la comunidad negra. A partir de Haz lo que debas, comienza a rodar con mayor frecuencia, aunque se le ha acusado de rentabilizar la plasmación del racismo. Algunas de sus películas más reconocidas son: Cuánto más, mejor, Fiebre salvaje y Malcom X. Aunque ha tenido algunos fracasos como Crooklyn o Camellos.
En el contexto de las luchas por los derechos civiles de los años sesenta, surge el movimiento chica, el cual busca la identidad de los norteamericanos de origen mexicano, situados en el sudoeste de Estados Unidos en su mayoría. En la década de los setenta hay experiencias de documentales de televisión y de obras de ficción que son exhibidas en circuitos alternativos y potenciadas por los festivales de Cine Chicano de San Antonio y Los Angeles. Se trata de un cine ubicado dentro de los cines independientes de Estados Unidos, aunque con notable influencia de los nuevos cines latinoamericanos. Desde el punto de vista estético tiene importancia la tradición musical latina y el bilingüismo. Entre los títulos relevantes de este estilo, encontramos: Los vendidos (Georges Paul), Yo soy chicano (Barry Nye), Raíces de sangre (Jesús Salvador Treviño), El Norte (Gregory Nava), La bamba (Luis Valdez) o Mi familia (Gregory Nava).
