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Fuera del mundo americano y europeo son varias las cinematografías que han tenido importancia e influencia cultural en un marco internacional: Brasil, Argentina, México, Japón e India. Los tres países iberoamericanos consiguieron una infraestructura  muy importante a lo largo de los años y en ellos han surgido figuras de renombre además de en algún caso, asimilar como propios a autores provenientes de otros lugares, como fue, por ejemplo, Luis Buñuel.
 

Pero en algunos países iberoamericanos, en el inicio de los años 60 surgieron películas que indicaban que el movimiento de renovación alcanzaba también aquellas latitudes, fue el caso del boliviano Jorge Sanjinés, que entre sus obras destaca “Sangre del cóndor, 1969”, una película en lengua aimará y su guion gira en torno la esterilización de las mujeres indias.
 

México es el país que disfruta plenamente y con intensidad las comedias disparatadas de mano de “Cantinflas” con películas como “El bolero de Raquel, 1957” o “El extra, 1962”. También es importante la figura de Emilio Fernández, el “Indio” que ha ocupado durante años un lugar privilegiado va siendo olvidada en beneficio de nuevas generaciones que surgen al amparo de instituciones de enseñanza como es el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos. Pero el cambio en las tendencias no fue fácil y esto se reflejaba en el cine, un ejemplo es “La fórmula secreta, 1965” de Rubén Gómez y de gran contenido violento, fue uno de los títulos que hicieron concebir esperanzas de cambio de estilo en México.

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Una serie de escritores como Gabriel García Márquez o Carlos Fuentes constituyeron un apoyo con sus textos para la realización de un nuevo cine. Pero más adelante, con la creación del Instituto de Capacitación Cinematográfica, surgirá la gran figura de esta nueva generación, que es Arturo Ripstein, que se da a conocer con “Tiempo de morir, 1966” aunque también se puede añadir el nombre de Felipe Cazals, que dirige “La manzana de la discordia, 1968”. Con un tono surrealista es importante la figura de Alejandro Jodorowsky, con un cine cuajado de imaginación, rupturista y donde es más fuerte el poder de las imágenes que el argumento.
 

Mientras tanto en Argentina, el gran director es Leopoldo Torre Nilsson que, gracias a festivales de cine europeos se dio a conocer. Algunas de sus películas como “La casa del ángel, 1957” tienen una gran capacidad psicológica, un gran sentido de la moral e influencia de diversos creadores europeos en la utilización del espacio y el ambiente, le permiten analizar al detalle la burguesía de su país, que es su principal seña de identidad.
 

Es en Argentina donde mayormente está presente la influencia europea así como la atracción por las líneas de pensamiento, por el sentido de la cultura que se supone predominan en el continente europeo constituyen la guía a observar y tratar de adaptar a su realidad. Así como también la influencia de Freud. Torre Nilson fue el encargado de llevar a su país Fuera del mundo americano y europeo son varias las cinematografías que han tenido importancia e influencia cultural en un marco internacional: Brasil, Argentina, México, Japón e India. Los tres países iberoamericanos consiguieron una infraestructura  muy importante a lo largo de los años y en ellos han surgido figuras de renombre además de en algún caso, asimilar como propios a autores provenientes de otros lugares, como fue, por ejemplo, Luis Buñuel.
 

Pero en algunos países iberoamericanos, en el inicio de los años 60 surgieron películas que indicaban que el movimiento de renovación alcanzaba también aquellas latitudes, fue el caso del boliviano Jorge Sanjinés, que entre sus obras destaca “Sangre del cóndor, 1969”, una película en lengua aimará y su guion gira en torno la esterilización de las mujeres indias.
 

México es el país que disfruta plenamente y con intensidad las comedias disparatadas de mano de “Cantinflas” con películas como “El bolero de Raquel, 1957” o “El extra, 1962”. También es importante la figura de Emilio Fernández, el “Indio” que ha ocupado durante años un lugar privilegiado va siendo olvidada en beneficio de nuevas generaciones que surgen al amparo de instituciones de enseñanza como es el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos. Pero el cambio en las tendencias no fue fácil y esto se reflejaba en el cine, un ejemplo es “La fórmula secreta, 1965” de Rubén Gómez y de gran contenido violento, fue uno de los títulos que hicieron concebir esperanzas de cambio de estilo en México.
 

Una serie de escritores como Gabriel García Márquez o Carlos Fuentes constituyeron un apoyo con sus textos para la realización de un nuevo cine. Pero más adelante, con la creación del Instituto de Capacitación Cinematográfica, surgirá la gran figura de esta nueva generación, que es Arturo Ripstein, que se da a conocer con “Tiempo de morir, 1966” aunque también se puede añadir el nombre de Felipe Cazals, que dirige “La manzana de la discordia, 1968”. Con un tono surrealista es importante la figura de Alejandro Jodorowsky, con un cine cuajado de imaginación, rupturista y donde es más fuerte el poder de las imágenes que el argumento.
los movimientos que predominaban en Europa. Su cine es una filmografía desigual y abarca distintos registros y ha servido de influencia para los jóvenes cineastas de su país. Algunos títulos importantes de sus películas son “Martín Fierro, 1968” o “El santo de la espada, 1970”.
 

La dificultad de estos cines suramericanos radica en la producción desigual y presentaba una manera de distribuirse dificultosa, se mantenían en base a festivales o exhibiciones y la sociedad no solía consumirlo. La principal influencia era el cine francés de esta época, pero muy restringida y existía la duda de si el cine debía ser algo lo cual su capacidad comunicativa se limitase por el desenvolvimiento de sus tramas o lenguajes. Un ejemplo es “La cifra impar, 1962” de Manuel Antin.
 

Por otra parte, en Cuba son importantes figuras como Tomás Gutiérrez Alea con “Historias de la revolución, 1960. También Humberto Solás tuvo gran relevancia ya que fue uno de los directores más importancia de la nueva Cuba con su obra maestra “Lucía, 1968”.
 

En estos años Brasil era la gran esperanza, tras el éxito de “Orfeo Negro, 1959” del francés Marcel Camus que fue realizada a partir de la obra del brasileño Vinicius de Moraes “Orfeu do Carnaval” convirtió al país en un atractivo pero convencional a su vez desde los ojos de Europa. Nelson Pereira dos Santos fue uno de los directores más representativos del cine brasileño. Sus aportaciones quedaron plasmadas en películas como “Río 40 Graus, 1955” o “Río, zona norte; 1957” de parecida temática y “Vidas secas, 1963”. Películas de gran realismo social.
 

A partir de los años 60, Glauber Rocha se convirtió en el impulsor del “Cinema Nôvo Brasileiro” y obtuvo una sonada repercusión nacional e internacional. Su cine representa la violencia en el pueblo brasileño y conectaba con los postulados marxistas. Su mundo estaba compuesto por un paisaje duro, con referencias al western, referencias feudales, muy místico, que todo se ve reunido en una de sus mejores obras como es “Dios y el diablo en la tierra del sol, 1964”. También cabe destacar la figura de Ruy Guerra con “Os fuzis, 1963”.
 

En Japón, tras los ataques atómicos, no se vieron dañadas sus infraestructuras y con la modernización económica y política, la cultura no quedó atrás pero sí tiene algunos problemas, como su lenguaje, la idiosincrasia de la psicología japonesa, hacen que al menos una parte de la sociedad, sea de difícil asimilación por quien no está muy impuesto en su historia, costumbres o cultura.
Uno de las grandes figuras de su cine fue Yasujiro Ozu, que muerto en 1963, realizó antes de su muerte películas como “Buenos días, 1959” o “Otoño tardío, 1960”. Obras que cuentan las realidades cotidianas, relaciones familiares. Además cuentan con una gran belleza visual y un trato de los personajes perfecto muy alejado de la esfera de Hollywood.
 

El director japonés más popular en Occidente y que de mejor manera supo aunar su cine con las nuevas formas de entender el cine fue Akira Kurosawa. Su película “Rashomon, 1950” fue un film que influyó en la manera de contar historias en el cine. Una película ágil, sorprendente y en resumen, una obra clave para llevar al cine japonés a la expansión internacional. Recibió un León de Oro en Venecia y un Óscar a mejor película extranjera. Con otras obras como “Trono de sangre, 1957”, “La fortaleza escondida, 1958” que fue una extrapolación de Macbeth al Japón medieval. Pero sobre todo la película “Mercenario, 1961” que inspiró a George Lucas para realizar años después La Guerra de las galaxias”. Todo esto hizo que Kurosawa se convirtiera  en un punto de referencia del cine japonés y mundial, su cine buscaba en el pasado, en la Historia, una manera de eludir al impacto de la guerra. También mostraba una gran violencia, un Japón duro y cruel que llega al sadismo.
 

Otro importante director es Masaki Kobayashi, que en su trilogía “La condición humana” tiene uno de sus trabajos más sorprendentes sobre pacifismo y anti belicismo. Pero será con la película “Más allá, 1964” cuando alcancé la repercusión en Europa. Una película que cuenta con la figura del samurái como eje central y donde Historia y Literatura confluyen y crean una forma elíptica de no tocar la amargura por la derrota de la guerra y así buscar ejemplos que dignifiquen y estimulen la sociedad.
 

Al igual que en otros países, en Japón también surgió un grupo de directores que incorporaron un sentido nuevo en el cine, un movimiento similar a la Nueva Ola. En el 1962 se creó el llamado “Art Theater Guild” que abrió unos canales de distribución dentro de lo que dio en  denominarse “Arte y Ensayo”. A la cabeza de este grupo estaba Shinsuke Ogawa y pertenecían personajes como Yoichi Hihashi o Noriaki Tsuchimoto. Su manera muy politizada de entender el cine no alcanzó a superar a los antiguos realizadores o a los nuevos, que se mantuvieron dentro de las formas narrativas convencionales.
 

La figura más rompedora del cine japonés de estos años es sin duda Nasiga ôshima, que comenzó su andadura cinematográfica con “Asu no taiyo, 1959” y en poco tiempo se había convertido en una estrella y alcanzó un gran público. Era un cine rompedor y cargado de erotismo. Películas como “Noche de niebla en Japón, 1960” o “El ahorcamiento, 1968” le dan a conocer internacionalmente. No tiene una fácil lectura y hay una serie de temas donde las presencias intelectuales de Kafka o Marx, son notables.
 

Por otra banda, en La India, la producción de películas es muy numerosa, con argumentos muy variados y tras su independencia se fue convirtiendo en uno de los países con mayor producción. La consolidación del cine indio supone para el estado una organización de sus estructuras que tengan en cuenta tanto la financiación como el contenido moral y también el respeto por la cultura nacional. En cambio, solo unos pocos títulos lograron llegar a países asiáticos y otros de medio oriente, pero nunca alcanzar el mercado occidental.
La producción se lleva a cabo en las principales ciudades buscando así desarrollar unas señas de identidad propias. Además el país cuenta con una nómina de creadores sorprendente y el problema de su trabajo radica en que apenas trasciende mas allá de unos pocos mercados.
 

La India tuvo en Satyajit Ray al director más sobresaliente (galardonado con un Oscar) que en los 60 y 70 su trabajo fue considerado y respetado pero nunca fue conocido del público general. En su obra se pueden ver influencias del neorrealismo italiano, crea un cuadro de tipo social en el que se refleja la vida en su país. Fue autor de una trilogía compuesta por “Pather Panchai, 1955”, “Apajarito, 1956” y “El mundo de Apu, 1959”. Películas de gran realismo y fondo documental, cuenta la vida de una sociedad que mira al vecino , que le interroga y le obliga a buscar soluciones para superar esa barrera que se está creando en su entorno más inmediato. “Apajarito” se llevó el León de Oro en el festival de Venecia.
 

Referencia: García Fernández, Emilio C. (2016). Historia del cine. Madrid, España: Fragua