Los otros nuevos cines en Europa: Italia,Inglaterra, Alemania, Escandinavia y el resto de Europa
LOS CINES DE INGLATERRA, ALEMANIA E ITALIA:
Con la llegada del Free Cinema británico, aparece un grupo de nuevos cineastas, llamados jóvenes airados, que hacen una crítica al cine académico y de estudio que se realiza en el país y demandan películas de mayor compromiso social. Los jóvenes Karel Reisz, Lindsay Anderson y Tony Richardson tienen un importante bagaje de cultura cinematográfica. Se forman en la crítica de las revistas Sequence y Sight and Sound. Buscan la renovación en el teatro y la literatura. El movimiento tiene una vida efímera ya que muchos directores acaban emigrando a EEUU ante las grandes posibilidades que se ofrecen. El impulso de los jóvenes airados tendrá su continuidad en la cultura joven, la moda y la música pop. Karel Reisz evoca los orígenes del movimiento: “El cine británico había sido hasta entonces de clase media , muy conformista, basado en estudios, estrellas y dirigido por grandes compañías. Empezamos a hacer pequeñas películas de bajo presupuesto, acerca de temas de clase obrera, basándonos en la observación, el argumento y la relevancia social.
Karel Reisz fue crítico en Sequence y director de la filmoteca británica. Fue autor de documentales como Momma don’t arrow o We are the Lambeth , sobre adolescentes de un barrio londinense, y especialmente destaca Sábado noche, domingo mañana su primer largometraje y obra fundacional del Free Cinema que trata la vida de un obrero inconformista que se refugia en el sexo y el alcohol. Por su parte, Lindsay Anderson defendió desde la revista Sequence un cine comprometido con la realidad social. Rodó un drama, El ingenuo salvaje, sobre un minero que logra un triunfo en el rugby. Sus obras más conocidas son sátiras sobre el conservadurismo de las instituciones como escuelas, el mundo de los negocios y los hospitales, como plasma en If… (1968), Un hombre con suerte y Britannia Hospital. De Toni Richardson destacaremos tres películas que son emblemáticas del Free Cinema: Un sabor a miel, La soledad del corredor de fondo y Tom Jones. Por último destacaremos a Richard Lester, con un cine que combina el humor inglés con el disparate americano, con películas como El knack… y cómo conseguirlo o ¡Qué noche la de aquel día!.
El cine alemán se encontraba por entonces con una deficiente estructura industrial, desconectado de obras cinematográficas europeas e invadido por películas norteamericanas. En el festival de Oberhausen en 1962, un grupo de jóvenes cineastas alemanes dará a conocer un manifiesto que reclama la revitalización del cine alemán y supondrá el nacimiento del Nuevo Cine Alemán. Esta generación no tiene lazos con la anterior, no tendrá éxito en taquillas (dominadas por el cine norteamericano) y sobrevivirá gracias a subvenciones. En los años setenta, algunos autores del Nuevo Cine Alemán tendrán éxito en el extranjero. Las obras más significativas de este periodo son El honor perdido de Katharina Blum y la obra colectiva Alemania en otoño. Dentro de esta generación de cineastas destacaremos a Alexander Kluge con Artistas bajo la carpa del circo: perplejos, Ferdinand el radical... Además de participar en Alemania en otoño; Volker Schlöndorff por sus adaptaciones de clásicos de la literatura como en El joven Törless y El honorperdido de Katharina Blum. Jean Marie Strauss (cine distaciad y teatralizado) con Ana Magdalena Bach, Peter Fleishman (cine comprometido) con Escenas de caza en la Baja Baviera (contra el racismo y la homofobia), Rainer W. Fasbinder (crítica a la burguesía y a los problemas sociales y políticos) con Todos nos llamamos Alí (refleja las dificultades de los inmigrantes en Alemania), Werner Herzog (tiende a interesarse por la locura, lo exótico, la experimentación…) Aguirre, La cólera de Dios y Wim Enders (su cine conlleva un reflexión sobre la identidad, la percepción de la realidad) cuyo cine se ve en Falso movimiento y En el curso del tiempo son las figuras más importantes de este movimiento.
Esta vez en Italia, se producirá una renovación del cine a través de la revista Cinema Nuovo y el crítico Guido Aristarco protagonizada por cineastas de izquierdas que piden un cine más comprometido socialmente. Aunque hay diversidad de propuestas estéticas, es evidente el liderazgo de la Nouvelle Vague. Uno de los grandes cineastas es Paolo Pasolini, multifacético, con vocación marginal, sus obras son un grito de rebeldía contra las convenciones sociales desde la subjetividad, el hedonismo y la creatividad. En sus obras se combina lo ridículo y lo sublime, la belleza delicada y lo cutre. Se inicia con Acatone (1961) y Mamma Roma (1962), ejercicios de neorrealismo en los que trata personajes marginales. Teorema y La pocilga son obras personales en las que critica a la sociedad a partir de fábulas. También tratará clásicos antiguos como Edipo, el hijo de la fortuna y Medea. Uno de los cineastas más representativos de la generación es Bernardo Bertolucci. Su cine sobresale por el empaque visual y la puesta escena, importante utilización de la luz, coreografía, giros de cámara, la concepción operística del cine. Destacan sus películas: Antes de la revolución (elaborado lenguaje cinematográfico, madurez para contar las contradicciones de la izquierda), El último tango en París (oscurecida por la polémica), Novecento (fresco histórico sobre el comunismo italiano), La luna (una de sus películas más personales). Marco Bellochio aboga por la transformación social mediante un cine comprometido con la realidad del país. Es autor de diversos largometrajes entre los que destacaremos su primera película, de cierto éxito, Las manos en los bolsillos y En el nombre del padre (crítica religiosa).El contenido del cine de Francesco Rosi está vinculado al análisis del poder, la mentira y manipulación, el empobrecimiento… Se pueden ver las influencias del neorrealismo pero también del cine negro. Su primera película fue El desafío (1958), coproducida en España. Su mejor película será Salvatore Giuliano, en la que presenta un modelo para el acercamiento de la realidad social y política. Otros importantes directores serán Marco Ferreri (trata las contradicciones de la sociedad contemporánea) con Se acabó el negocio, Ettore Scola con El comisario y la proxoneta (comedia italiana), Ermanno ormi (cine personal, visión católica progresista) con El árbol de los zuecos , Paolo y Vittorio Taviani (cine poético, comprometido con los valores de la izquierda) con Hay que quemar un hombre.
LA RENOVACIÓN DE EUROPA DEL ESTE:
CHECOSLOVAQUIA
La Nova Vlná es un movimiento de renovación del cine Checo, sucede entre 1963 y 1969, finalizando en la Primavera de Praga, con la invasión de la URSS, una veintena de películas se interrumpen y grandes autores se exilian para continuar sus carreras en otros países. La Nova Vlná es un movimiento heterogéneo en respuesta al realismo socialista en el que la ironía, el absurdo y la defensa del individualismo son trazos importantes. Las películas abordan temas cotidianos, de moralidad personal y choque generacional, alejadas del realismo clásico.
Jiri Menzel- Su primera película, “Trenes rigurosamente vigilados”(1966) es un gran éxito internacional, tratando temas tragicómicos cotidianos, irónicos y tiernos. “Alondras en el alambre”(1969), obra prohibida en la que se critica la represión. Otros títulos son “El buscador de oro”(1974) o “Los hombres de la manivela” (1978)
Milos Forman- Sus obras se caracterizan por la ironía, los aspectos documentales del cinema-verité y la representación de los conflictos generacionales, problemas de identidad y rebeldía. “Pedro el negro” (1963) que es casi un manifiesto de la Nova Vlná, narra las desilusiones de un adolescente en su paso a la edad adulta. “Los amores de una rubia” (1965) es un relato moralizante sobre el conflicto generacional. “Al fuego bomberos” (1967), prohibida por la censuraa, cuenta la búsqueda del amor ideal. En EE.UU creará películas comerciales, éxitos son “Amadeus” (1984) y “Alguien voló sobre el nido del cuco” (1975)
Vera Chytilova- Al principio se decanta por el estilo del cinema-verité con obras como “Un saco de pulgas” (1962). Posteriormente su estilo tornará nihilista alegre con fondo metafórico “Las margaritas” (1966) Después de la Primavera rodará obras como “El bufón y la reina” (1988) o “El juego de la manzana” ( 1977)
Jan Némec – Destaca con obras como “Sousto” (1960) o “Zert” (1968)
HUNGRÍA
Después de la Segunda Guerra Mundial la Mafilm nacionaliza la industria cinematográfica, imponiendo una rigurosa vigilancia y arbitrio sobre las obras, a partir del 55 comienzan a surgir obras influenciadas por el neorrealismo. En el 56 el contragolpe desbarata muchas esperanzas de renovación, pero en el 60, el estudio experimental Béla Balázs permite la produción de obras de una forma más libre. Esto es la base del Nuevo Cine Húngaro (1963-1968) que se caracteriza por la liberalización de la censura, el rechazo a los géneros clásico-populares, el éxito internacional y la influencia extranjera. El nuevo cine plantea los grandes conflictos en situaciones personales, dos corrientes aparencen: De corte intelectual influida por la Nouvelle Vague y de corte folclórica neorrealista.
Zoltan Fabri – Es la figura más relevante, destaca por la reflexión histórica. “Kohrinta” (1955) “El profesor Aníbal” (1956) “El quinto sello” (1976)
Miklos Jancsó – Comienza por un estilo marcado en documentales y largometrajes de realismo socialista y tras la crisis del 56 se decanta por el estilo de Antonioni sobre todo a partir de “Desatar y amar” (1965) destacando los extensos planos secuencias. Destaca también “rojos y Blancos” ( 1967) o “Silencio y gritos” (1968) que suponen una visión épica y fantástica de la historia que abandonan el dramatismo y la psicología en busca de un espectador activo. Realizará también una tetralogía fascista donde reflexiona sobre la tiranía en un nivel abstracto. Una de sus obras más significativas es “Salmo Rojo” (1971) que representa la opresión hacia los campesinos.
István Szabó – Constante reflexión sobre la experiencia histórica. “Almodozasok” (1964) “Padre” (1966) “Szerelmesfil” (1977). Sus obras comienzan a adquirir una mayor dimensión internacional desde “ Mephisto” (1981) destaca también “Meeting Venus” (1991)
Karoly Makk – Sus obras predican la renovación estilística, intelectualiada aplacada por la burocracia y amistad más allá de la política. “Uttörök” (1949) “Liliomfi” (1954) “Megszallottak” (1961)
András Kovács - “Días fríos” (1966) “Yermo” (1973) “Los ojos vendados” (1975)
Andrei Tarkovsky y los Renovadores del cine soviético
Tras la muerte de Stalin autores comienzan a crear obras de renovación abriendo sitio para un cine más liberalizado, pero esto dura poco.
Andrei Tarkovski – Hace un cine poético conectando con las emociones y con el espíritu moral del autor individual. “La infancia de Iván” (1962) Reflexión humanista y pesimista de como las secuelas de la Guerra afectan a un niño. “Andréi Rubliev” (1966) Plantea la capacidad del arte para el bien y la libertad de creación frente al poder a través de la historia de la vida de un pintor de iconos. “Solaris” (1972) obra de ciencia ficción que presenta un mundo en el que la tecnología y el espacio no dan cabida a la ética. “Zerkalo” (1974) Monólogo interior de un enfermo en el que mezcla sueños, poemas de su padre y elementos autobiográficos. “Stalker” (1979) pérdida de valores en la sociedad soviética. También rodó “Nostalgia” (1983) y “Sacrificio” (1986)
Andrei Konchanlovski - “El primer maestro” (1965) primera obra netamente realista y un hito en la renovación soviética. “La felicidad de Asia” (1967) . muchas de sus obras se inspiran en libros y resultan más convencionales. Destaca “Siberiada” (1978), una superproducción ética y didáctica sobre la historia de Siberia. Posteriormente iría a dirigir a USA
Nikita Mjalkov – Destacan por su destreza emotiva “Ojos negros” (1987) “Urga” (1992) y “Quemado por el sol” (1994)
Destacan también Elen Klimov y Tenghiz Abuladze.
POLONIA
Andrzej Wajda – Amplia carrera en busca de la identidad nacional y la historia de su país, su cine es inevitablemente político puesto a su situación negativa causada por el comunismo. Destacan “Cenizas” (1965) “La tierra de la gran promesa” (1974) “El hombre de mármol” (1977) “El hombre de hierro” (1981)
Jerzy Skolimowski – Representa la soledad del ser humano en un mundo hostil en un estilo tragicómico . Obras “Deep end” (1970), “La partida” (1967) “¡Manos arriba!” (1967)
Roman Polanski – Su primera película “Cuchillo en el agua” (1962) plantea temas como el absurdo y la alienación social . Prácticamente a rodado todos los géneros. “La semilla del diablo” (1968) “Repulsión” (1965) “Le locataire” (1976) “Chinatown” (1974)
Krzysztof Zanussi – Se caracteriza por el rigor con la indagación mística. Critica al stalinismo y al ciudadano conformista. “Iluminación” (1973) “Vida Familiar” (1971) “El amante del asesino” (1974)
YUGOSLAVIA
La federación de Tito produjo mucho cine como medio de cohesión de la unión, la producción se dividía en 9 productoras. En los 50 la Nouvelle vague influencia notablemente las obras, que destacan por su naturalismoy perfección técnica, durante los 70 y 80 abundan filmes sobre la Segunda Guerra Mundial.
Dusan Makavejev – Es un cieasta que usa el collage y la experimentación, la transgresión de tabúes , humor cínico y espíritu anárquico. En “El hombre no es un pájaro” (1966) plantea la crisis de los valores morales a través de una historia amorosa. La “Tragedia de una empleada de teléfonos” (1967) es una crítica antiestalinista. En “Inocencia sin defensa” (1968) se puede ver su gusto experimentalista. Su obra es muy extensa y variada siempre destacando por su creatividad.
LOS PAÍSES ESCANDINAVOS:
Los autores escandinavos de cine buscaban la felicidad a través del amor y del erotismo. Igmar Bergman con su película Noche de circo obtuvo un gran fracaso comercial, por lo que se desvío hacia la comedia, y empieza a pensar en el sentido de la existencia humana y en un hipotético mundo sobrenatural. A este momento pertenece Fresas salvajes, de 1957. En este mismo año, rodará En el umbral de la vida, una película pesimista. En El rostro dibuja un mundo de magia y de poderes ocultos. En El manantial de la doncella trata el conflicto entre la ciencia positiva y la metafísica. Otras de sus obras son Como en un espejo, Los comulgantes y en El silencio. Su estilo se volvió cada vez más depurado, dando lugar a ¡Esas mujeres!, intelectualmente densa, corriente a la que pertenecen también Persona, La vergüenza, Pasión y La carcoma.
Las obras de los directores escandinavos nos obligan a sentir, por su erotismo franco y por su aislamiento de los dramas colectivos.
Bo Widerberg creó obras como El cochecito, Amor, Elvira Madigan, Joe Hill y Adalen 31, en la que habla de la huelga que llevó al poder al partido socialista sueco. Vilgot Sjöman dirigió La amante, Mi hermana, mi amor y Yo soy curiosa. Mai Zetterling indagó en la problemática sexual en Alskandepar, Juegos de noche y Las chicas, de una gran libertad expresiva.
Los autores escandinavos tienen una forma especial de abordar temas considerados tabú. En el cine documental destacamos a Ame Sücksdorff, que le da una visión lírica y dramática a la naturaleza en Pueblo indio, El viento y el río, La gran aventura y La flecha y el leopardo..
En este país señalamos también a Henning Carlsen con Hambre y Todos somos demonios. Carl Th. Dreyer, creyente atormentado moriría sin haber llevado su obra al cine La palabra película teológica. Su obra Gertrud es una reflexión sobre el amor.